自分のスタイル&フュージョン・ブーム考。

先日の記事でギタリスト個々の“音”について書いたのでその続きな感じの内容ですが・・・。

先日(と言っても夏の初め頃です)友人のベーシストに誘われて、あるセッションに参加した際に自分の音楽スタイルみたいな事を考えさせられました。
演奏した曲は制約の無い感じの選曲ばかりで、久し振りに自由なギターを弾く事が出来ました。
個人的にはいいセッションでしたね。理由はワンコード物が数曲あって普段は全く弾く機会が無くて、随分と久し振りな感じでしたが、やっぱり楽しいですよね。
ワンコードでのソロは煮詰まりさえしなければ、セッションでは面白いですね。

そのセッションの参加ミュージシャンは初対面の方ばかりでした。誘ってくれた友人は当然知り合いでしたが私以外の方は顔見知りとの事で、アウェー感じがいい緊張感だったんだと思います。
現役の頃は初対面でいきなり演奏なんて事は当たり前の事で、音を出しながら相手を理解する・・・なんて事が日常でした。
ちなみに・・1日限りのセッションなんかでは、リズム隊とは近い位置関係だったり、知った顔ぶれなんかが居れば会話もあって過ごせるんですが、ホーン関係が入ったりすると初対面の方なんかは挨拶意外、一言も無いままって事はよく経験しました。
良い悪いは別として、仕事としての演奏の典型的スタイルの一つだったんでしょうね。

話を戻して・・先日の演奏の中で自分のギタースタイルについて、改めて考えさせられました。

私世代はロックから音楽を聴き始め、それを消化し切る前にフュージョン・クロスオーバーミュージックの洗礼を受けてしまいました。
ロック(ロック・ギター)を身に付けるには、もう少し時間を掛けたかったし年齢も重ねる必要もあったのかと思います。
特に私の場合八方美人的な性格が災いしたのか、高校生の時から多種多様なジャンルの音楽に手を出してしまい自分の中にこれ!と言うジャンルやスタイルの確立無しに、幸か不幸か職業としてギターを弾く事になってしまい、ギタリストとしては自分のスタイルが何処にあるのか・・・と言う不安感は常に持ち続けていました。
簡単に言うと、自信を持って本当に得意(好きな)なギターってこれです・・と言えないもどかしさでした。
言い訳がましいですが、仕事として要求される内容に対応するには、音・フレーズ・リズムのどれもが色々なジャンルの色々なパターンなので“自分の音”みたいな物は見失いがちでした。

フュージョンブームが去った後、どのギタリストも自分の持っているスタイル・音を確認する事になったんですね。
ちなみに、フュージョン・ブームはあっという間に日本の音楽シーンをほぼ一色に塗り替えたと思います。
一時的ではありましたが右も左も、まずは・・335(悪くても345、355はNG)・・ノンビブラートのチョーキング・・スケール練習そのままのフレーズでアドリブ・・ポップな爽やか歪み・・掛かり多目のコンプ・・ブレイクしたら16カッティング・・・。
ギターだけでもこんな感じなのに、ベースは弦高低目のチョッパー、ドラムは左手をロックスタイルから持ち替えて小さめのバスドラにタムを並べて小さ目の薄いシンバル、キーボードはシンセを右手でエレピを左手でペダルも二つで・・・。

ブームの流れはプロ・ミュージシャンにも波及して、過去にロック・フィールドで実績のあるギタリスト達もスタイルを変えたギターを弾いたりしたり、ジャズで有名なギタリストもエフェクターで少し音を変えて、リズムを流行のスタイルにして弾いたりしていました。
最も違和感を感じたのは、関西のブルース・シーンから出たバンドに在籍していた著名なギターの方でした。サンバ系の16に乗せたギター・スタイルは少し無理やりな雰囲気で、チョーキングもソコソコの早弾きはちょっとご本人にはマッチしていませんでした。

余談ですがフュージョンが日本でブームを起こしたのには、ひとつは“歌”の無いインストが主流だった事だと思います。日本人がバンドを組む際に一番のネックはボーカルでしたから。
英語圏の音楽ですし、一番きつい部分ですね・・・。

最大の理由は(個人的な考えではあります)日本のロック・シーンが意外にも閉鎖的な世界だった事が少なからず影響していたのでは・・と思います。
誤解を恐れずに言いますと、日本のロックは当初グループ・サウンズのカテゴリーやフィールドに居たミュージシャンやスタッフの多くがG・Sムーブメントが終わる以前から、新しい流れの音楽(基本はブリティッシュ・ロック)を海外から取り入れG・Sにそのサウンドを再現していて、それがG・S後の日本のロックの母体になったと思います。(私がプロでギターを弾き始めた頃、G・Sの最後の年代の方々がフリーのミュージシャン・アレンジャー・プロデューサーとして各方面で大勢活躍されていて、随分お世話になったし当時のお話なんかも聞かせて頂きました・・・人間の証明のソロで最高のギターを弾いていた“石間〇機”さんのエピソードは強烈でした)
ただ残念な事に全てが東京発、東京消化の音楽でした。
狭い東京で完結してしまうと言う事は、中々外からとか地方から余程の運や技量がないと入り込む隙間が無かったと思います。
あのキャ〇ルが鮮烈デビューした事ですら、東京のテレビ絡みの出来レース的な状況が無ければどうなったかは分かりません。
結果・・やはりある程度内輪な閉塞した世界になってしまい、地方からのバンドが名乗りを挙げるにはその後のコンテスト(8・8ロック・・等)が一番の近道になってしまいます。

そういった状況下で新しい音が入って来て、それまでとは違う流通の形態を作り出したと思います。
ロックよりも、ジャズのルールに最新のリズムを融合させたフュージョン・クロスオーバーが現れます。
今まで余り表立った活動の場のなかった、テクニックの備わったミュージシャンにスポットが当たります。
逆に閉鎖的な故、中々セールスに結び付かないロックは流れが止まった様に見えました。街からロンドンブーツが消え、洗いたてのスニーカーが増殖しました。
同じくして音楽もブリテッシュ・ロックが影をひそめ、イーグルスを筆頭にアメリカン・ロックの全盛期を迎えます・・・楽器店は335系のセミアコで溢れる事になります。
フュージョン・ブームの残した功績のひとつに、日本のミュージシャンの演奏能力・技術を短期間で底辺からレベルアップした事だと思います(あくまで独断ですが)。
もうひとつは、エンジニア・アレンジャー・サポートミュージシャン等の裏方職にも注目が集まり、そこを目指す若い世代が多数現れた事だと思います。

そんなブームも過ぎ去った後、ロックに帰る人もいれば、どっぷりとジャズに浸る人もいた事でしょう。勿論フュージョンに留まり追及して、極めようとするミュージシャンだっていました。更には、全く新しい音を探して新しいスタイルの音楽を追求した人もいた筈です。
私はどちらかと言えば30歳を過ぎるまではロックに帰ったパターンだと思います。
ただ音楽的な成長期にロックを演奏しなかった訳で、その道のミュージシャンに追いつくにはかなりの隔たりを感じました。
自分が器用ではあっても、深い部分まで自分の物にしたギター・スタイルを持っていなかったんですね。
その辺が私の限界なのか、自信が無くなりましたね。ただ仕事は継続していたので更にぎくしゃくした思いが付きまとった状態でしたね。
ギターを弾く段階があるとすれば、ステップを間違えてしまったんでしょうね。

今、好きでジャズを演奏したり聴いたりしていますが自分の弾くギターは本格的なジャズギタリストの弾くスタイルとはやはり違うと思いますし、かと言ってロックは聴くのは大好きですが多分弾けなくなっているんだと思います。アコギも今は殆ど弾けないかもしれないです。

ギターを一休みしている間に音楽を聴くと、キッパリ好きと嫌いな音楽みたいなものが自分にもあるんだな・・・と再認識しました。
ただ圧倒的に好きなジャンルやスタイルの方が多いですね。特にギター・ミュージックなら、ほぼ嫌いな物はないと思います。

そんな性格が災いした私のギター(スタイル・音)ですが、もう変化出来る年齢では無いので付き合って行くしかないでしょう。



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Stella By Starlight。

スタンダード・チューンの中でも多くのミュージシャンに取り上げられて来て、今現在もライブやセッションではプロ・アマ問わず人気の曲って数多くありますが、“ステラ~”はそんな中でも上位人気に入る1曲ではないかと思います。

題名の“Stella By Starlight”(邦題は星影のステラ)がロマンチックというかミステリアスな雰囲気を感じさせます。
そんなところも人気のひとつなんでしょうが・・・こと演奏に関しては比較的アップテンポのハードな演奏でも、ピアノやギターのソロ・バラードでも緊張感のある演奏が出来る素晴らしい曲だと個人的に思います。

この曲を最初に練習したのは10代の終わりの頃でした。自分で演奏してみて1小節目の、スタンダードでは意外に出て来ない増四度のマイナーコードからのⅡm7ーⅤ7に戸惑いました。まだまだ未熟な音楽理論だったので戸惑うってより解らないって感じでした。
スタンダードに限らずコード進行のある形態なら、1小節目のコードって基本トニックかトニックに向かうⅡm7ーⅤ7かトニックの代理コードや少なくともダイアトニックコードからスタートするのが一般的です。
少なくとも出だしの2小節に関して、色々な理論立てが出来る事からも当時の私には難しい曲だったんだと思います。
サビの2小節Gのオーギュメント(♯5)もフレーズの持ち合わせが有った訳も無く、何をしていいか分からない空白の2小節でした。
私が覚えたのは、渡辺香津美さんの著書で、ジャズギターのスタンダード集(上・下巻)でした。
ソロ・バラード用にアレンジしてあって、通常演奏するキーではなかったので後々更に苦手意識が増幅しました。

“ステラ~”のコードの分析等などは、色々な方が様々な見解でアップされていますので更に詳しい事は、そちらにおまかせする事にします。

そんな訳でステラは苦手意識のある曲です。
若い時のトラウマみたいなモンで一旦、苦手意識を持ってしまった曲やソロって何回弾いても(練習しても)上手く弾けないイメージが付いて廻ります。
その逆で苦手意識の無い曲って、最初からスンナリ弾けたり、1発でコピー出来たり、しっくり感があったり・・・そんな曲もあったりします(比率で云うと圧倒的に少ないんですが・・・)。

スタンダード(一応今回はジャズって事で)を演奏する時は、基本的にテーマを取る楽器があって、テーマを取るプレイヤーのイメージが曲の雰囲気を大きく左右します。
早い話がヴォーカリストに近い状態な訳で、テンポ・リズム・果てはキーなんかも指定する事すらあると思います。(ウェス大好きなギタリストが“ミスティー”をスローの F で・・みたいな状況です)

そんなこんなで演奏スタートな訳ですが、テーマ自体はプレイヤーのフェイク無しでは成り立たない位に譜面上に書かれたメロディは素っ気ない訳です。
あるプレイヤーは自分の好きなミュージシャンの雰囲気で演奏するでしょうし、テーマに忠実に演奏するプレイヤーだっているはずです、又あるプレイヤーは出だしの2・3音だけテーマを演奏してほぼアドリブに近い状態に突入したり、〆のフレーズのあたりから盛り上がってそのままアドリブに変化したりとか、オリジナルな作り込んだテーマを持ち込むプレイヤーだっていると思います。

各それぞれがジャズに置いては正解ですし、自由な発想で思ったままの演奏がスタンダードをより良いものにするんだと思います。

そんな時に先ほど書いた、得意とか苦手が演奏する上でのモチベーションに大きく影響を及ぼしてしまいます。
私個人は他の人よりその影響が大きいタイプだと思います。

そんな私の苦手な“ステラ~”です。
手持ちの映像が少ないので随分前にアップしたライブの時のオープニングの映像です。
ボーカルライブのオープニングですが選曲は私で無い事は言うまでもありません。
演奏は極端に短くて(3分位の指定でしたので)、テーマを含めて3コーラスだけの演奏です。
スタンダードでは珍しく、テーマと後テーマしか私は弾いていません。アドリブは取りませんでした。
短かったのが幸いしてしまいました。
このテンポの4ビートは好きだし、ギターにはこの位のテンポがフレーズを歌わせ易いと思うんですよね。
オープニングなのであまり派手な演奏では無いですが、単音で弾いた時のメロディでグルーブ感とか4ビート感を出す様に心掛けて弾きました。
フレーズに関しては何の仕込みもなく、譜面を見ながらその場の雰囲気で弾いたフレーズだけです。
今聴くとモタらない方がいい部分も、流れでモタっていて狙いとは違っています。




チャック・ローブの後ではかなりの勇気が必要でした。


ギターの音・音作りに関して。

一年以上の間、更新出来なくてすいませんでした(m(ー ー)m)。

最近はギターを弾かないで、聴く事に専念している状態です。特にギター以外のジャズにのめり込んでいます。
特にトランペットとサックスの名演や名盤には、まだまだ知らない素晴らしい演奏が沢山あって時間が幾らあっても足りません。
ホーン・プレイヤー達は聴けば直ぐに誰の音と分かる位、個性的な素晴らしい音を出します。
ギタリストでもやはり、自分の“音”を確立しているプレイヤーはウェスを始めサンタナ、ジョニー・ウインター、パット・マルティーノ、デビット・T、エリック・ゲイル、バン・ヘイレン・・・ちょっと考えただけで様々なジャンルのビッグネームの名前が出てきますよね。

私もギターを弾き始めた頃、好きなギタリストのコピーを始めて最初に思うのは同じ楽器を使えば同じ音が出るかな・・・と勝手な思い込みをしていました。
そう思うのは誰しも当たり前の話だと思うし、決して間違った考えではないと思います。
確かにストラトとレスポールではそれぞれの特徴ある部分は全然違う音ですし。
ある意味好きなギタリストと同じ楽器を持つのは、アマチュアミュージシャンの夢みたいな所もありますからね。モチベーションを上げるには最高のアイテムだと言えるでしょう。
昨今のフェンダー・ギブソンのアーティストのレプリカモデルが受け入れられている事でも分かると思います。

ただ、同じ楽器を手にしてから考えなければならないのは最初に記した“自分の音”についての事だと思います。
過去の私の様に、セッションで要求された音や流行の音を好き嫌いに関わらず出して(弾いて)いると自分の本当に出したい音・好きな音が希薄になると言うか、好きな音が多すぎて、軸がブレてしまいます。(この事は私個人の性格も影響しているとは思います)
好きな音が多い・・出したい音も多い・・結果ギターによって色々な音に対応しようと思うあまり所有する本数が増える。。。
そんな時、人間はギター本体の音や可能性より、そのギターを使っていたギタリストの出す音が固定観念として残っていて・・この音にはこのギター・・この雰囲気の曲にはこのギター・・誰々っぽく弾きたいからこのギター・・なんて状態にはまり込むのでは。しかもギターを持ち替えてもアンプのセッティングはそのままでプラグを抜きかえるだけ・・なんて事に。
事実、私もそんなギター弾きであったと思います。

そんな時にストラトならリアとセンターのハーフトーン・・レスポールならリア全開だけ・・335はフロントのみ・・P-90が2発ならセンターのみ・・テレキャスのトーンは触った事も無い・・なんて事に。
全て過去のギタリスト達の使って来たそのままって感じで、自分のアイディアや感覚は既に無いに等しいと思います。
確かに同じギターなら似た音を出すには近道なのかも知れませんが、そのギタリスト(好きな)とは、ピッキングから使っている弦(ゲージ等)・アンプ(出力も含む)・ピック・握力・オマケに国ごとの電圧の違いなど同じ部分はギターだけなんて事だってあります。

形から入るのも間違いでは無いでしょうが、ジャズならフルアコ・フュージョンならセミアコかコンポーネントギター・サザンロックならレスポール(ボトルネック付き)・メタルなら尖がりギター・ロックならストラトにアーム・カントリーはテレキャス・・・まだまだキリがありません。
デビュー前のビートルズはそんな先入観の無い、グレッチとリッケンバッカーとヘフナーを使ったと言う事ですが、それはそれで成功したんですが日本の数あるビートルズのコピーバンドは120%上記のギターしか使わないのが現状として残ってしまいました。

70年代の日本を代表するジャズギタリストの増尾好秋さんは58年のレスポールスタンダードをメインで使っていました。(当時の日本のジャズ界ではソリッド・ギターは駄目みたいな風潮があった様です)
masuo.jpg

同じく70年代アメリカでテッド・ニュージェントって方はグランド・ファンクばりのロックを事もあろうかデビット・Tと同じ尖がったカッタウェイのバードランドでギンギンにロックギターを弾きまくっていました。チョーキングしまくってチューニングが狂うのか(ブリッジもストックのままでした)1曲ごとにギターを代えていました。同じタイプのバードランドを所狭しとステージに並べていたのが印象的でしたが、確かに音はロックしていました。
ted.jpg

どちらの例もギタリストの考えるいい音が、そのギターで出るから使ったんだと思います。どちらもメインでずっと使っていた事を考えると相性の良いギターだったんでしょうね。

過去の自分の音を確立してきたギタリスト達は、確固たる音・自分の出したい音がはっきりと分かっていて、その音を出すための努力をギターの音に頼らず自分の指や弾き方やアイディアを駆使して出そうとして来たのではないかと思います。

ウェスはオクターブ奏法ばかりが表に出ますが、独特の単音の時のグルーブ感や音色は親指の弦に当たる部分がピックの様に変形して硬くなっていた為だと言われていますし、ディメオラのスッタカートの効いた独特の早弾きミュートは家の中で大きな音を出さない為に工夫して弾いていた時の癖だと聞きましたし、クラプトンのウーマントーンは偶然ローディーが手渡したギターのトーンが閉じられていたとの事ですし、同じくクラプトンのストラトのハーフトーンは弾いている時に右手がセレクターに当たって偶然出た音とも言われていますし、バン・ヘイレンのタッピング(ライトハンド)に至っては常に爆音で練習出来る環境が無ければ出て来なかったと思います。

先入観や固定観念を持たなければそれぞれのギターには色々な音が残されていると思いたいですし、ギターの音作りってギターのブランドや種類や色・形に捉われ過ぎず、自分自身の弾き方でどんな音を出すか又は出せるかって部分もギター選び以上に“自分の音”を作る時に必要な事だと思います。

そう思ってこの映像を見て頂くと、彼の出す音ってギターが出している音ではなくて彼の音が出ていると思います。
“コンファメーション”のアドリブソロの部分だけですが、素晴らしい演奏だと思います。
他の映像を見る限りギター(サドウスキー)からブギーに直だと思います。アーム付きのストラトでこの音は中々出せませんね。



さすがです。

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Author:kamiyo.m
千葉県千葉市在住

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