アウトフレーズの解釈.etc。

前回スケールチェンジについて書いたんですが、今回は私なりに解釈したスケールアウト・・・と言うかアウトフレーズについて書く事にします。

つい先日お手伝いしているフュージョンバンドの1回目のライブも無事に終了しました。
その時に見に来て頂いた友人のピアニストが私の弾くアウト系のフレーズが意外だったらしく、弾いている本人はそのつもりは無かったのでこちらは逆に意外な反応にビックリしています。
余談ではありますが、その友人とはスタンダードなジャズしか一緒に演奏した事が無くてご一緒している時は常にオーソドックスなギターを弾いていたのでそう感じられたのかもしれません。

今回のフュージョンバンドではモードの代表曲・・・とも言える“処女航海”と“So What”の2曲がレパトリーになっていて、かなり自由にアプローチ出来る選曲だったので私も自由に弾かせてもらいました。

モード系の曲と言うか1コードの進行は単一のスケールだけで弾いても様にはなるんですが、盛り上がってくるとやはり色々なアプローチが可能なのでアウトフレーズの登場の機会も自然と増えて来るんですよね。

75年頃を境にストレートジャズとは別に新しい流れとして色々なミュージシャンが色々なアプローチでスケールを解釈したり進化したフレーズで斬新なプレーをするようになったと思います。

私がギターを勉強し初めてモードと呼ばれる物に出会ったのは高校1年生くらいの頃で、当時は全く知識として理解しただけで例えばDm7ならドリアンスケールで対応するくらいしか分かりませんでした。
例えばDm7一発物でもDmに向かうⅡ→Ⅴ7を使ったり、更にその上にⅡに対しての更なるⅡ→Ⅴ7を重ねたり・・・って事は知識としては分かっていました。

高校生としてはその辺までが限界だった訳で、実戦でそういうフレーズを弾く事も無くそのまま時間が過ぎて行ってしまいました。

70年代後半に確か日野さんのバンドに在籍していた今では超大御所のギタリスト“ジョンスコ”のデビューアルバムを聴いて物凄く違和感のあるフレージングにびっくりしました。
“ブルース・フォー・オキナワ”って曲が確か入っていた筈で、テーマだけコピーして喜んでいたんですがその後の展開が全くコピー不能と言うか訳が分からないフレーズの連発で私なりにこれは本当にブルースなのか?と疑問に思ったくらいです。
当時としてはジョンスコのうねりのあるノリがまだ理解出来なかったので余計にそう感じたのかもしれません。

その頃を境に世間ではアウト・・・アウトと色々と騒がれるようになって来ていました。
ある意味突き詰めに突き詰めた究極の答えがアウトだと思っていました。
確かにブレッカーのフレーズなんかを聴くと、とてもじゃないけどギターでは太刀打ち出来ないくらいの物凄いアウトフレーズの連発で後ずさりしてしまうくらいでした。
私の最も好きなフュージョンアルバムであるニール・ラーセンの“ジャングルフィーバー”の中の1曲にラスト・タンゴ・イン・パリでブレッカーの吹いているフレーズは美しいテーマの後を引き継いで究極の美しさでアウトさせたフレーズを吹いていて今でも鳥肌モンです。

横道にそれてばっかりですが、私の経験したアウトフレーズはこんな感じです。
初期の頃はコードのトライアードをシークエンス的に移動させるもので、ギターではかなり楽に弾けるフレーズな訳で私もそんな所から入った訳です。
トライアードの分解を半音づつ上げたり下げたりするだけで意外とフレーズになっちゃうので入り易かったんだと思います。
渡辺香津美さんの“オリーブス・ステップス”や“ロンサム・キャット”の頃は良く出て来るフレーズで私も随分コピーしました。

その後はディミニッシュのフレーズを半音ずらして弾いたり(手っ取り早く言えばコンディミになっちゃう訳ですが)スケールでは使わない音を出発点としてフレーズを弾き始めてスケール内の音に着地させたり色々試してはいました。
そんな私ですが、実際に仕事でそんなフレーズは弾く事はありませんでした。要求される物はやはり歌物のバッキングな訳で、あくまでも自分の練習や知識として確認していた程度です。

そんな時にもたまにリハバンをやったりした時に1コードで遊んだりして、少しだけ自分の持っている知識で冒険して弾いていたくらいでした。

そういった時期を経て、現れたギタリストはマイク・スターンやスコット・ヘンダーソンでした。
特にこの2人には衝撃を受けました。タイム感、フレーズ、音色などどれを取っても素晴らしいの一言です。
やはりこの2人も特筆すべきはアウトさせたフレージングの完璧さでしょう。フレーズの良さもアウトのタイミングも随分参考にさせてもらいました。

早い話が私の考えるアウトフレーズってスケールから離れるって事も大事なんでしょうが、最初に来るのが調性と言うかルートに対してどんな音が合うか合わないか・・・みたいな感覚が凄く重要だと思います。
常にルートはある訳で、それに対してどの音からどの音へ移動すると調性感がどう変るかを意識してフレーズを組み立てるのが基本だと思います。
それと同じ位大事なのはやはりフレーズの良さな訳で、どんなにアウトさせても元々のフレーズに格好良さが無ければ何の為のアウトなのか分からなくなってしまいます。
ここだけは演奏する耳も重要ですが、好きなギタリストのフレーズを身に付けて行く事が凄く近道だと思います。
実際に私もエレクトリックバンドの頃のスコヘンの弾く好きなフレーズは結構コピーしました。
当時の彼の場合アウトしてますよ的なフレーズが意図的に分かるのでとても勉強になりました。

結論から言えば、アウトってスケールの選択よりももうちょっと幅を拡げて調性感を意識してそこから少しズレたフレーズや音をどうやって使っていくかだと思います。
私も実戦で鍛えたアウトフレーズでは無いのですが、今回のライブで自分なりに研究して来た事を多少でも弾けた事が今後のギターに役に立つような気がします。

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アレンジについての話。

最近日記を更新出来ませんでした、今は現役としてはギターを弾いていませんが去年あたりからアレンジを頼まれる事があってここ何日かはアレンジに追われる日々が続いていました。

昔はアレンジは本業では無くて、見よう見まね・・・と言うか自分がライブで演奏する場合のみのアレンジから始めたんですよね。
本業のアレンジャーさんとは大違いな訳で、あくまでもライブでギターを弾く一環としてたまたまアレンジをしていました。
ギタリストだから意外にベースは弾けちゃうのも利点だったかもしれません、ドラムは昔から好きで結構リハの合間とかで喜んで叩いていました。
私の知る限りプロのアレンジャーの方でキーボードがメイン楽器の方もベースは結構弾ける方が多いんですよね。

昔はしっかりアレンジ料は頂いていたんですが、今は殆ど無料奉仕に近い状態でアレンジをさせてもらっています。
アレンジ料って私が貰っていたのはコピーアレンジで3万円程度で、滅多には無い一からアレンジする場合は1曲当たりその倍位は貰っていました。
ライブ用に既存の曲をアレンジする場合はリハ代に上乗せされていました。
本業のアレンジャーさんから比べれば遥かに安い金額だったと思います。

アレンジの一番面白い所は、自分の狙った通りのサウンドが出た時なんですよね。
自分のイメージ通りのアレンジって現場のミュージシャンの演奏に左右される事が多くて、結構難しいんですよね。
当時ですから今のように宅録の機材も4chが精一杯で、ドラムマシーンもローランドの808くらいしか無くて今のような録音環境があれば随分助かったんですが・・・。

私が一番アレンジで大事にしているのはリズムアレンジでリズムのキメにはかなり凝っちゃう方で、リズム隊の方には結構イヤがられる事もしばしばありました。
しかしリズムのキメって曲の中では重要なポイントなので、そこが一番時間の掛かる作業なんですよね。
例えば3拍目・4拍目のドラム&ベースの絡みで次の小節に持って行った時の雰囲気なんかは全然違ったモノになってしまいます。
細かく難しいキメを作るのでは無く、バンド全体としてのグルーブを出せるリズムに結構拘る方なんですよね。

自分の中でリズムアレンジに関して大分参考にさせてもらったのは当時売れに売れていたジェイ・グレイドンでした。
彼のアレンジしたマーク・ジョーダンの“ブルーデザート”はリズムアレンジの名盤だと思います。
イントロにはメロディーらしいメロディーも無いまま、ドラム&ベースの作り出すリズムを見事にコントロールして素晴らしいイントロが作られています。
アルバム全体を通してグレイドンらしいシンプルな中にも練り上げたリズムアレンジがされています。
今でも大好きなアルバムです。

日本ではやはり山下達郎さんのリズムアレンジは随分参考になったし、当時のサウンドとしては先端を行っていたのではないかと思います。
達郎さんはとにかくドラムの青山純さんとベースの伊藤広規さんしか使わなかったくらいリズムにうるさかったらしいです。2人のスケジュールが付かないとレコーディングはおろか、ライブのスケジュールまで変えていたらしいです。ミュージシャン冥利に尽きる事ですよね。
とにかく2人のコンビネーションは抜群としか言えないです。

次に自分の中で重要なポイントにしているのは曲中のコードです。
ここはギタリストとしての自分のコード感の見せどころみたいなもので、歌モノでは特に曲中のコード進行をちょっと捻ったりして、元々の雰囲気を少しカッコ良く変えるのが好きだったりします。
コード進行はアレンジャーの腕の見せ所みたいなところもあって、曲の雰囲気を作るのに重要な部分なんですよね。

コードに関しては色々な曲をコピーして自分なりに解釈したのと、やはり現場でギタリストとしてやって来た過程でプロのアレンジャーの方の譜面を弾いて来た事が一番の勉強になりました。
現場で弾く譜面ってギタリストの場合コード進行はキッチリ書かれているのでアレンジする方の意図やら何やらがすぐに分かって本当に勉強になりました。
余談ですが・・・現場で使っているギターの譜面ってソロは別として曲中はコード進行しか書いて無い事が殆どで、バッキングパターンなんかは現場で音を出して自分なりにバッキングを組み立てていたので、それ自体がアレンジみたいな雰囲気はあったんですよ。

特別に影響を受けた訳ではありませんが、坂本龍一さんのコードは独特の感覚があって私なりにチョット勉強させてもらいました。
坂本さんがアレンジした大貫妙子さんのアルバムや飯島真理さんのアルバムはちょっと勉強になるコードが随所に散らばっていて、今聴いても全然古さを感じさせません。

私が初めて本格的なアレンジを依頼されたのは23歳の時で、自分が参加しないライブ用に確かコピーアレンジで5~6曲頼まれたのが始めでした。
バンドの編成を聞いてそのバンド用に殆ど完コピのアレンジをしたのが思い出されます。
その時は徹夜に近い状態で必死に頑張ったのが昨日の事のようです。
後日そのライブの音源を頂いて(当時ですから当然カセットテープです)自分のしたアレンジが形になって残った事がとても嬉しかった事が鮮明に記憶に残っています。

そこからは頼まれればアレンジを引き受けるって感じで、特にアレンジを優先にする事はありませんでした。基本はやはりギタリストとしてやっていました。

今頼まれるのってジャズ系のアレンジばかりで、基本的に得意な分野では無いんですが頼まれればかなり楽しい作業ではあります。
ポップスの名曲をジャズバージョンにアレンジするなんて作業は凄く楽しいと思います。
昔の癖で、ついついリズムアレンジに凝ってしまうので本格ジャズをやって来たミュージシャンにはチョット嫌な顔をされてしまうアレンジをしてしまいます。

アレンジって自分の色々な引き出しから色々引っ張り出して曲に仕上げる訳で、とても難しい作業ですがギターを弾く事に少しでもプラスになれば・・・と思ってやっている事は昔から一貫して変らない気持ちです。

BOSS・DD-20の話し。

今私が使っているディレイはボスのフロアタイプのディレイです。
昔は同時に3台も使ったりしていましたが、今はこの1台あれば充分なスタイルになってしまいました。
名前はDD-20って言うディレイです。買ったのはLine6のコーラスを買うチョット前でした。

DD-20

毎度同じ事ばっかり書きますがデジタル機器の進歩は驚くばかりでその昔、十数万円出してやっと買ったディレイに匹敵するかそれ以上の性能のディレイです。
このディレイの特に優れていると言うか、使い易いのはペダルのモードを設定出来るところがとても便利です。
ペダルモードは何種類か選べるのでライブでは本当に助かります。この機能は買ってから取説を読んで初めて知ったんですが、本当に便利な機能で目からウロコでした。
昔私が使っていたラックタイプのディレイはON/OFFとメモリーの切り替えの為2つのフットスイッチが必要でした。
このディレイはこれ1台で全てを解決してくれるのでとても有り難いです。

このディレイは当時のラックタイプ以上の性能を持っていて、これだけの音が出れば本当に充分な性能ですし、コンパクトな作りなので持って行けるところでは必ず使うようにしています。

基本的に今の私のスタイルではディレイは使わなくてもいいのかな?と思っていましたが、今は昔のように“ディレイ使ってますよ・・・”的な使い方はしていません。
まず昔と違ってショートディレイは全然使いません。一応メモリーにはショートを入れてはいますが、まず使いません!
ディレイで作るコーラスは極稀に使う事もありますが、これも本当にたまにって感じです。

一番使うのがやはりロングディレイで、タイムは400で設定しちゃってます。
ロングは2種類メモリーしてあって、一つは400で返りが1回で返りの音もかなり小さくしてあります。
もう一つはタイムは同じですが、返りを3~4回にして少しだけ返りを大きめに設定しています。
使い分けとしては、最初のは掛かってるか掛かってないか程度のディレイなのでスローのバッキングなんかで色付けとして使ったりしています。
返りが多い方をソロ用にしていますが、どちらも状況によって使い分けています。

ジャズを弾く時にディレイはあまり使わないギタリストが多いとは思いますが、それも曲調や曲の雰囲気やテンポや状況によってはディレイがあるとかなりいい感じになるんですよね。

カールトンが今では亡くなってしまったタル・ファーローと一緒にやっている映像なんかでは、しっかりディレイを使いまくってオーソドックスな4ビートを素晴らしい音で演奏していますし、マイク・スターンなんかも私が見たクリニックでは4ビートをバリバリにディレイを掛けて恐ろしく格好いい演奏をしていました。
私の大好きなアール・クルーの全曲ギタートリオでスタンダードを演奏しているアルバムでは、かなり深めのリバーブがギターに常に掛かっているのと、スローの曲では軽くディレイが掛かっていると思われます。
ですから結局はその人のスタイルや出したい音があれば使える物は使うのが一番いいんだと思います。

私も4ビート物のテンポの速い曲やボサノバ系の曲ではまずディレイは使いませんが、バラード系の時には軽いディレイがあるとソロの時の音なんかが一味違って来るんですよ。

ジャズでエフェクトは邪道みたいな考えもある事は確かだと思いますが、1ステージ通して延々と生音で弾き続けるより時にはチョットした変化があった方がアンサンブル的にも聴いてもらう人にもいいのではないかと思います。

特に歌伴ではジャンルに関わらずボーカルの方はかなりリバーブを多用しますよね。それはソロ楽器として考えた場合やはりメロディーを浮き上がらせる効果もある訳で、ギタリストもバラードなんかのソロやバッキングでも薄めのロングディレイを隠し味に使うと本当に効果があると思います。
特に歌とギターだけ・・・なんて時にオーソドックスに弾くのもアリですが、隠し味のディレイがあったりすると意外にマッチするんですよね。

余談ですが、隠し味・・・って事で今は凄く性能のいいリバーブもあるようなのでチョット試してみようかな?と思っています。TCのフロアタイプのリバーブなんか凄く良さそうなので近いうちに記事に出来るかもしれません。

忘れてはいけないのはディレイって掛け過ぎてしまうと最悪になっちゃう可能性があります。
一番大事なのは、あくまでも生音を生かす為のディレイでなければならないと思います。
やはり掛かり具合は弾いている場所の音響や他の楽器との絡みもあるので、常に細心の注意をして使うようにしています。
昔のように常にアンプの音をマイクで拾って貰う訳では無いので、自分の耳を頼りにするしかないんですよね。

去年あたりから結構ジャズ系のライブでギターを弾く事が多々ありましたが、ディレイだけは常に繋げていました。

このディレイはこれからも暫くは私の足元にあると思います。

コードチェンジに対する解釈・etc

ギターを再開したのはある程度の年齢に達していたので、やるなら昔出来なかった・・・と言うか習うだけで終わってしまったジャズをやってみようかな~と思って3年程経ちました。

今ではジャズ・セッションのホスト役を千葉市内でやらせてもらって、そろそろ2年が経とうとしています。

ロック系から入った私がフュージョンの洗礼を受けてジャズを弾くに至って最も苦労したのは、コードチェンジに対してのポジショニングやフレージング等色々ありました。

ギターは楽器の特性上ポジション移動に苦労する楽器だと思います。
いきなりジャズから入るギタリストは10人中1人いればいいくらいの確率で、やはりロック系から入るギタリストが殆どだと思います。
ロックからギターに入ると最初に覚えるポジショニングは100%ペンタトニックのポジションだと思います。
ペンタはほぼ異動無く結構格好の付くフレーズが弾けるので、最初の内はとっつき易いのとチョーキングをする時に一番楽に出来るポジションなんですよね。

ところがギターってそれだけでは表現出来ない楽器な訳で、色々なスケールやら何やら覚え始めるとペンタのポジションだけでは対応出来なくなって来るんですよね。
私もそんなギタリストの一人でした。

一番ギタリストが陥り易い弱点は、たとえばC/Am/Dm7/G7なんて流れではAmのペンタポジション一発で乗り切れるんですが、ポップスで良くありがちな2小節目がA7に変化した場合C/A7/Dm7/G7になった時にAmペンタだけでは乗り切れない事が出て来ちゃいます。
2小節目がA7なのでC#の音が3度の音になるのでペンタ一発では乗り切れなくなってしまいます。
結構ここをAmのペンタ一発で乗り切ろうとするギタリストを数多く見て来ました。
ジャズでは当たり前の変化なんですが、ペンタ慣れしたギタリストは中々C#の音を出す癖が無くなちゃうんですよね・・・。

ブルースの12小節でも同じ事が言える訳で、やはりキーがAでもD7にコードが変った時にお構い無しにAのペンタで乗り切ろうとするのはチョット無理がありますよね。
ただそれも状況次第な訳で、フレーズの流れってものもありますからね。

コードチェンジに対応するのはどの楽器も苦労が多い筈です。
私は元々が横着な性格なのか、自分なりに色々なギタリストをコピーしたりギター以外の楽器の譜面やらを勝手に解釈して自分の弾き易いポジショニングを工夫して来ました。

単純なところで、Cのメジャースケールをどのポジションから始めてもその中には出発点の音こそ違え、7つのスケールが含まれている訳です。
そこを上手く利用する手は無いと考えました。
コードチェンジって基本的に私の考えでは転調をするって事が一番ギタリストには分かり易い解釈なんじゃないかと思いました。
ポジション移動もジャズを習い始めの頃は常に今キーが何なのか考えながら弾いていました。

邪道だとは思いますが、例えばテンポ200の曲で2拍ごとにコードが変る曲があった場合Ⅱ-Ⅴ-Ⅰの場合なら自分の持っているⅡ-Ⅴのフレーズを使って乗り切ったりも出来ますが、コルトレーンチェンジみたいな曲や“オールザシングス・・・”みたいな明らかな転調を意識したコード進行の場合は今のコードが何のキーに対してのコードなのかを考えて弾いています。

“酒バラ・・・”に代表されるトニックから他のキーのセブンスに行く、ジャズでは代表的とも言える進行について行くには私は常にコードトーンを意識させるフレージングを弾くようにしています。
では、コードトーンを意識させるフレージングって何なのかって考えた場合基本は3度の音を意識して弾くようにしているのと、セブンスコードの場合セブンスの音は勿論ですがコードトーンの半音上と半音下からコードトーンに持って行くのも良く使う手です。

ジャズギターで最も使われると思われるコードトーンを挟むフレーズも結構使えるんですよね。
Cmaj7のコードの時、D→B→C→A→F#→G→F→D→Eなんてのは明らかにコードトーンを感じさせるフレーズになります。
こんな時もCのイオニアンさえスムーズに弾ければ楽に弾けるフレーズなんですよね。

ジョーパスやカールトンが良く使う手で、コードはFmの時にA♭のコード分解をモロに弾くってのも実はFm=A♭majって流れで弾いていると思うんですよね。
カールトンは特にこのパターンが好きですね。ブルースでもペンタの代わりに代理のメジャーコードを当てはめて、完璧にコード分解のフレーズを良く使っています。
ギタリスト的にはとても弾き易いフレーズなので私も良く使わせてもらっています。(カールトンの場合チョーキングとの絡みが絶妙なのでそこが彼の真骨頂とも言えます)

ある意味転調さえ乗り切れば出発点こそ違えCメジャースケールを移動させて弾けばギタリストにとっては楽に乗り切れるんだと考えました。(あくまでも邪道な考えです)

例外的に乗り切れない・・・と言うか弾き手の解釈もあるでしょうが、7thコードの場合多様なスケールが使えるのでこれだけは身に付けておかないと対応しきれないと感じます。
ディミニッシュやコンディミやオルタードやホールトーンやらクロマチックやら・・・個人の解釈で大幅に違って来ますからね・・・。

基本的には私が考えるにはどんなコードチェンジがあっても、基本はフレーズ有りきだと思います。
まず弾きたいフレーズや弾いたフレーズが格好悪ければ何の意味も無いと思います。
どんなプレーヤーの素晴らしい演奏も、フレーズの良さがあっての事だと私は思います。
それプラス、リズムがはまっていれば少々コードから外れた感じでも音楽的には不足は無いと思います。ある意味究極とも言えるアウトフレーズに関しては別の機会に書こうと思います。

良く有りがちなパターンで、コードチェンジに捉われ過ぎるのもかえって逆効果って事だと思います。
理論ばかりに捉われると陥り易い事だと思います。
パット・マルティーノみたいに自分なりの解釈でスケールを設定して弾き切るのもフレーズの良さがあっての話しだと思います。(彼くらい研究して弾ければ最高なんですが)

結局のところコードチェンジに対応する・・・と言うか乗り切るには自分なりに研究する事も大事ですが、あえて失敗を恐れず回数を重ねる事とそれに伴って音楽的な耳を養うって事が凄く大切なんだと思います。
残念ながら私は本格的なジャズギター弾きでは無いと思います・・・が、今からでも努力して日々ギターに携わって行こうと思っています。

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