GuitarRoom＆MusicWorld
ギターと音楽のお気楽日記
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ロベン・フォードについて。
前回の記事でカールトンについて書きました。時事ネタと言うか目前に迫ったブルーノートでのカールトンとロベンのライブに行く事になっているので今回はロベン・フォードについて書く事にします。
ロベンは“こんなギターが弾けたら幸せだろうな・・・”と、いつも思わせてくれる素晴らしいギタリストの１人です。
確か（何度も書きますが、このブログは一切の資料を見ずに記憶だけで書いています）ロベンはカールトンの後任として７０年代にトム・スコットのリーダーバンドだったLAエクスプレスに加入した時か友人にカセットで借りたソロアルバムの“ギターに愛を”で初めて聴きました。
その時の印象はやはりLAサウンドにマッチした当時の流行のギターを歌心たっぷりにに弾くギタリストだと思いました。
その後聴いたのが、LAのスーパーバンドとも言える伝説の“イエロー・ジャケッツ”のデビューアルバムでした。
多分リーダーはサウスポーのベーシスト “ジミー・ハスリップ”だったと思います。
そのアルバムでのロベンは素晴らしいトーンでテクニカルな曲に歌心溢れるフレーズの連発で私は衝撃を受けました。
ロベン本人はああ言うテクニカルなバンドはあまり好きではなかったと思います。
彼自身テクニックに走るタイプではないし、イエロー・ジャケッツ自体あっという間に脱退してしまいましたからね。
ちなみにイエロー・ジャケッツ当時現在の映像で確認する限り３３５を使っていたと思います。
次にロベンを聞き込んだのは教則ビデオでした。
ブルースについての彼なりの解釈の教則ビデオでしたが教則の域を超えた素晴らしいギターを弾いています。
当然ロベンが解説する訳ですから、コテコテのブルースってよりモダンなコンテンポラリーな解釈を分かり易いフレーズで解説しています。
私がスタインバーガーを入手する以前に発売されたビデオなので、８０年代前半に作られた物だと思います。
今でもまだロングセラーされている様でとても嬉しく思います。
そのビデオの中でロベンが使っていたギターがフェンダーの“エスプリ”ってモデルで、フェンダーにしては珍しいギブソン仕様の２ハムにストップテイルピースのモデルでした。
行きつけの楽器店の店長に聞いたところ、フェンダーの試作品モデルをロベンに提供した・・・との事らしくて当時は手に入れる事の出来ないギターでした。
直後にフェンダー・ジャパンから発売されたらしいです。
そのエスプリで弾く彼のナチュラルトーンは当時の私にとっては最高の音色でした。
その後彼を見ることになります。
なんと！考えもしなかったマイルス・デイビスでのバンドに彼が参加した時のライブでした。
ロベンの前任者はジョンスコだったと記憶しています。
マイルスとロベン・・・私にはとても結びつかない組み合わせだったのでとても興味深かったです。
マイルスバンドにしては珍しく、わりとLAで活躍していたサックスプレーヤーのボブ・バーグやらその後ストーンズと共演したりポップス系のミュージシャンと共演するベースのダリル・ジョーンズらが在籍していた当時だったと思います。
私が見たライブでは５０年代のサンバーストのストラトで、マイルスバンドの過去のギタリストとは若干違うアプローチでギターを弾いていたと思います。
アンプですが記憶が確かならＪＣだったと思います・・・御存知の方がいらっしゃったら是非教えて頂きたいです。
私が見た限り彼はかなり緊張していた様に見えました。
ただ弾いているギターは素晴らしいの一言でした。
トーン・フレーズはロベンらしさが本当に出ていて私個人はとても満足したライブでした。
ロベンがマイルスバンドに在籍していたのは、物凄く短期間だったと思います。マイルスは気まぐれなのでロベンの意思に関わらずそういう事態になったんだと思います。
その直後に彼のその後の方向性を決定付けるアルバムが出ます。
彼名義のバンド“ブルー・ライン”のデビューアルバムです。
衝撃を受けたアルバムと言っていいと思います。
１２小節ブルースでの彼のアプローチや解釈には脱帽せざるを得ないと思いました。
フレーズ回し、トーン、スケールの選択などなどとても真似の出来ない素晴らしいギターを弾いています。
私が考える彼のブルースの特徴は、オーソドックスなペンタフレーズを大胆な節回しで弾くかと思えばドミナントからサブドミに移動する際のコンディミを使った彼独特のフレーズはさすが・・・としか言いようがありません。
ターン・アラウンドの部分も彼の真骨頂とも言える解釈のフレーズがとても勉強になります。
１２小節ブルースを彼なりに追求した結果だと思います。
よく彼が使うリズムパターンで頭抜きのフレーズから入って息の長い１６分音譜のフレーズなんかも素晴らしいタイム感で感心するばかりです。
そういうフレーズを弾く時も彼らしいブルースフィーリングを失われない事は素晴らしい事だと思います。
またホールトーンも好きな様で結構頻繁に出て来ますが、使い所が絶妙なのは彼のセンスとしか言いようがありません。
ピッキングのタッチはかなり強いタイプのギタリストだと思います。ただカールトンが意外と右手の手首が硬いのに比較してロベンの場合手首がかなり柔らかくリラックスした感じがします。
私もピックを持つ手には力を入れても手首だけはリラックスして力を抜く様に心掛けています。
それって昔有名なギタリストに教わったんですよね。
ロベンのフィンガリングの特徴・・・と言うか癖は薬指と小指がくっ付いて移動している事だと思います。
どっちの指で弾いているのか分からなかったのですが、小指でフレットを押さえて薬指を添えている感じだと思います。
チョーキングもそのままの状態で行ってしまう事も有るし、薬指のみで行く事も考えると彼独特の癖なんだと思います。
中々真似しようと思っても出来ないし、私は私なりの指使いしか出来ないのでこれは断念しました。
ロベンは見る度に違うギターを使っているタイプで日本で言えば渡辺香津美さんみたいなもんですかね。（笑）
ギブソン系の２ハムタイプのギターだとほぼ同じ音が出ていると思います。多分ギターよりもアンプが（当然ダンプルですが・・・）勝っているんだと思うし、ギターよりも“ロベンの音”が出て来るんだと思います。
その中でも私が一番彼の出す音で好きなのはこちらです。
http://www.youtube.com/watch?v=BGhiRie4V_k
カールトン所有の５７年のゴールドトップで、元はキース・リチャーズが所有していたらしいですがカールトンから借りていたこのギターはカールトン本人が弾くよりもロベンが弾いた方がいいと思うのは私だけでしょうか？
それにしてもビンテージの音って素晴らしいとしか言えませんね。
ダンプルを使わずにストックのフェンダーでこれだけの音が出るんですから・・・。
フェンダー系のギターでは若干トーンが変るのは当たり前ですが、画像で見る限りブロンドにローズネックのテレキャスは正直な所好きな音ではありません。
音の線が細い・・・と言うより彼の弾くフレーズを表現しきれない感じがします。（個人的な感想です）
マイルスのバンドの時のストラトは怖ろしく太い音がしていました。
最近使っているアメリカ在住の坂下さんって方が作っているギターはアルバムで聴く限りフェンダーとギブソンの中間を行く最近流行のトーンだと思います。
多分彼はリアマイクの音の抜けが好みに合ったんだと思います。とてつもなく抜ける音で金銭的に許すなら私も一度は弾いてみたいギターの１本です。
最近の彼はソロの時に結構リバーブを多用している様です。多分デジタルのリバーブだと思うんですが私個人の解釈では、意外にもツェッペリンの後期の頃のジミー・ペイジのリバーブの雰囲気に近い感じがして仕方有りません。
目前に迫ったブルーノートでどんなギターを使ってカールトンとどんなプレイをしてくれるか今から楽しみで仕方ありません。
個人的には、トス・パノスも物凄く楽しみです。
ロベンは“こんなギターが弾けたら幸せだろうな・・・”と、いつも思わせてくれる素晴らしいギタリストの１人です。
確か（何度も書きますが、このブログは一切の資料を見ずに記憶だけで書いています）ロベンはカールトンの後任として７０年代にトム・スコットのリーダーバンドだったLAエクスプレスに加入した時か友人にカセットで借りたソロアルバムの“ギターに愛を”で初めて聴きました。
その時の印象はやはりLAサウンドにマッチした当時の流行のギターを歌心たっぷりにに弾くギタリストだと思いました。
その後聴いたのが、LAのスーパーバンドとも言える伝説の“イエロー・ジャケッツ”のデビューアルバムでした。
多分リーダーはサウスポーのベーシスト “ジミー・ハスリップ”だったと思います。
そのアルバムでのロベンは素晴らしいトーンでテクニカルな曲に歌心溢れるフレーズの連発で私は衝撃を受けました。
ロベン本人はああ言うテクニカルなバンドはあまり好きではなかったと思います。
彼自身テクニックに走るタイプではないし、イエロー・ジャケッツ自体あっという間に脱退してしまいましたからね。
ちなみにイエロー・ジャケッツ当時現在の映像で確認する限り３３５を使っていたと思います。
次にロベンを聞き込んだのは教則ビデオでした。
ブルースについての彼なりの解釈の教則ビデオでしたが教則の域を超えた素晴らしいギターを弾いています。
当然ロベンが解説する訳ですから、コテコテのブルースってよりモダンなコンテンポラリーな解釈を分かり易いフレーズで解説しています。
私がスタインバーガーを入手する以前に発売されたビデオなので、８０年代前半に作られた物だと思います。
今でもまだロングセラーされている様でとても嬉しく思います。
そのビデオの中でロベンが使っていたギターがフェンダーの“エスプリ”ってモデルで、フェンダーにしては珍しいギブソン仕様の２ハムにストップテイルピースのモデルでした。
行きつけの楽器店の店長に聞いたところ、フェンダーの試作品モデルをロベンに提供した・・・との事らしくて当時は手に入れる事の出来ないギターでした。
直後にフェンダー・ジャパンから発売されたらしいです。
そのエスプリで弾く彼のナチュラルトーンは当時の私にとっては最高の音色でした。
その後彼を見ることになります。
なんと！考えもしなかったマイルス・デイビスでのバンドに彼が参加した時のライブでした。
ロベンの前任者はジョンスコだったと記憶しています。
マイルスとロベン・・・私にはとても結びつかない組み合わせだったのでとても興味深かったです。
マイルスバンドにしては珍しく、わりとLAで活躍していたサックスプレーヤーのボブ・バーグやらその後ストーンズと共演したりポップス系のミュージシャンと共演するベースのダリル・ジョーンズらが在籍していた当時だったと思います。
私が見たライブでは５０年代のサンバーストのストラトで、マイルスバンドの過去のギタリストとは若干違うアプローチでギターを弾いていたと思います。
アンプですが記憶が確かならＪＣだったと思います・・・御存知の方がいらっしゃったら是非教えて頂きたいです。
私が見た限り彼はかなり緊張していた様に見えました。
ただ弾いているギターは素晴らしいの一言でした。
トーン・フレーズはロベンらしさが本当に出ていて私個人はとても満足したライブでした。
ロベンがマイルスバンドに在籍していたのは、物凄く短期間だったと思います。マイルスは気まぐれなのでロベンの意思に関わらずそういう事態になったんだと思います。
その直後に彼のその後の方向性を決定付けるアルバムが出ます。
彼名義のバンド“ブルー・ライン”のデビューアルバムです。
衝撃を受けたアルバムと言っていいと思います。
１２小節ブルースでの彼のアプローチや解釈には脱帽せざるを得ないと思いました。
フレーズ回し、トーン、スケールの選択などなどとても真似の出来ない素晴らしいギターを弾いています。
私が考える彼のブルースの特徴は、オーソドックスなペンタフレーズを大胆な節回しで弾くかと思えばドミナントからサブドミに移動する際のコンディミを使った彼独特のフレーズはさすが・・・としか言いようがありません。
ターン・アラウンドの部分も彼の真骨頂とも言える解釈のフレーズがとても勉強になります。
１２小節ブルースを彼なりに追求した結果だと思います。
よく彼が使うリズムパターンで頭抜きのフレーズから入って息の長い１６分音譜のフレーズなんかも素晴らしいタイム感で感心するばかりです。
そういうフレーズを弾く時も彼らしいブルースフィーリングを失われない事は素晴らしい事だと思います。
またホールトーンも好きな様で結構頻繁に出て来ますが、使い所が絶妙なのは彼のセンスとしか言いようがありません。
ピッキングのタッチはかなり強いタイプのギタリストだと思います。ただカールトンが意外と右手の手首が硬いのに比較してロベンの場合手首がかなり柔らかくリラックスした感じがします。
私もピックを持つ手には力を入れても手首だけはリラックスして力を抜く様に心掛けています。
それって昔有名なギタリストに教わったんですよね。
ロベンのフィンガリングの特徴・・・と言うか癖は薬指と小指がくっ付いて移動している事だと思います。
どっちの指で弾いているのか分からなかったのですが、小指でフレットを押さえて薬指を添えている感じだと思います。
チョーキングもそのままの状態で行ってしまう事も有るし、薬指のみで行く事も考えると彼独特の癖なんだと思います。
中々真似しようと思っても出来ないし、私は私なりの指使いしか出来ないのでこれは断念しました。
ロベンは見る度に違うギターを使っているタイプで日本で言えば渡辺香津美さんみたいなもんですかね。（笑）
ギブソン系の２ハムタイプのギターだとほぼ同じ音が出ていると思います。多分ギターよりもアンプが（当然ダンプルですが・・・）勝っているんだと思うし、ギターよりも“ロベンの音”が出て来るんだと思います。
その中でも私が一番彼の出す音で好きなのはこちらです。
http://www.youtube.com/watch?v=BGhiRie4V_k
カールトン所有の５７年のゴールドトップで、元はキース・リチャーズが所有していたらしいですがカールトンから借りていたこのギターはカールトン本人が弾くよりもロベンが弾いた方がいいと思うのは私だけでしょうか？
それにしてもビンテージの音って素晴らしいとしか言えませんね。
ダンプルを使わずにストックのフェンダーでこれだけの音が出るんですから・・・。
フェンダー系のギターでは若干トーンが変るのは当たり前ですが、画像で見る限りブロンドにローズネックのテレキャスは正直な所好きな音ではありません。
音の線が細い・・・と言うより彼の弾くフレーズを表現しきれない感じがします。（個人的な感想です）
マイルスのバンドの時のストラトは怖ろしく太い音がしていました。
最近使っているアメリカ在住の坂下さんって方が作っているギターはアルバムで聴く限りフェンダーとギブソンの中間を行く最近流行のトーンだと思います。
多分彼はリアマイクの音の抜けが好みに合ったんだと思います。とてつもなく抜ける音で金銭的に許すなら私も一度は弾いてみたいギターの１本です。
最近の彼はソロの時に結構リバーブを多用している様です。多分デジタルのリバーブだと思うんですが私個人の解釈では、意外にもツェッペリンの後期の頃のジミー・ペイジのリバーブの雰囲気に近い感じがして仕方有りません。
目前に迫ったブルーノートでどんなギターを使ってカールトンとどんなプレイをしてくれるか今から楽しみで仕方ありません。
個人的には、トス・パノスも物凄く楽しみです。
ラリー・カールトンについて。
カールトン・・・多分私が一番コピーしたギタリストだと思います。
一番聴いていたのは、１０代後半から２０代前半でした。
カールトンについては、色々な方が色々なアプローチでアップしていますので詳細はそちらで確認して頂けると私のつたない文章より良くわかると思います。
ちなみに私が一番感心しているページはこちらです。
http://members.at.infoseek.co.jp/i_g_y/room335.htm
カールトンはクルセイダースに在籍していた頃からリアルタイムで聴いて来たギタリストで、五輪真弓さんのバックで来日した際の、ピットインでのお忍び・・・と言うかFM東京主催のライブまで見に行った位に数多く見て来ました。
数多く見て来た中で個人的に一番良かったのはやはりブルーノートで真近で見れた時でした。
彼らしくない６０年代のローズネックにサンバーストのストラトで押し通していましたが、カールトンらしさは別格でした。
どんなギターを弾いてもカールトンらしさには変わりが無い事を痛感したライブでした。
最初に見たピットインのライブでは多分日本でレンタルしたと思われるコイルタップ付きのブラウンの３３５で、私の持っていた３３５と同じタイプでしたが・・・出て来るサウンドは天と地程の差がありました。
その時のライブではカールトンの代表曲“Room335”も“サマー・サン”という曲名で紹介されていて後日FMで放送された音源をコピーして他の人よりも早くコピー出来た状態でした。
ライブ音源はレコーディングされた音源と違ってカールトンらしさ満点だったと思います。
ちなみに“Room335”のテーマ部分の雰囲気が中々出せないのはユニゾンで同じテーマを２回弾いてダビングしているんですが、ポジションを変えて弾いていると思われます。
ライブで２弦５fから１弦開放にすぐ移動したがるのが証拠と言えば証拠と言えるでしょう。
イントロ部分も結構な確立でD△→C♯m7を弾いてしまいますが、D△→C♯m7/onAにしないと雰囲気が出せないと思います。
カールトン的にはこの曲に関しては自分の弾き易いコード進行を使って、あとからテーマを作ったと思います。
彼のインタビューでも白状していますが、スティーリー・ダンの“ペグ”やミニー・リパートンの“ラビィン・ユー”のコード進行を一捻りしてイントロに使ったと言っています。
私はカールトンのソロを数々コピーして来ました。
彼は自分のレコーディングでは明らかに作ったフレーズを弾いている事が多いと思います。
代表曲と呼ばれる数多くの曲も明らかに前もって仕込んだフレーズが散乱しています。
私的な考えでは、名曲“Iｔ Was Only Yesturday”に関して言えば１から１０までアドリブはしていません。
事前に考えたフレーズのみで構成されていると思われます。
一番カールトンらしくないフレーズで構成されたソロは本人も多分考えに考え抜いた末のフレーズだったと思います。
ただ後半ラストの５弦１８fからのA♭の分解フレーズ＋チョーキングは未だに私の高音域でのギター選びの際の基準となっています。
このフレーズがキチンと弾けないギターは１００％買う気が起きません。
特にこのフレーズはギターのオクターブピッチがシビアに合っていないと違和感のある音程になってしまいます。
Room335のアルバム発売直後の渋谷公会堂のライブは２日間続けて行きましたが、この曲は演奏してくれませんでした。
他のライブでもこの曲はまともに演奏しない所を見ると、カールトン自身はあまりこの曲は好きでは無いのかと思います。
確かに“黒いオルフェ”の出だしをパクッたとしか言えないテーマはいただけないと思います。
ちなみにご存知の方も多いと思いますが、ベースはカールトン本人が弾いています。
ポーカロのドラムがあまりにも素晴らしいが為にベースが何とも貧弱に聞こえてしまうのは私だけでしょうか・・・。
逆に全く作り込んでいないアドリブを弾いている曲もあります。
同じアルバムに入っている“ナイト・クローラー”だと思います。
多分この曲はカールトンが自由に弾いて何テイクか撮って美味しい所を繋ぎ合わせたんじゃないかと思われます。
繋ぎ合わせに関しては途中でギターのトーンが微妙に変化する所があるので聴き込むとすぐに気が付くと思います。
トーンと言うよりリバーブの変化に気を付けると分かり易いと思います。
カールトンの好きな理由は他にも沢山あって書ききれない位です。
最も好きなのは彼のチョーキングじゃないかな・・・と思います。
やはり色気のあるチョーキングで、ロックギターとは違うチョーキングだと思います。
クルセイダースの“チェイン・リアクション”の頃のチョーキングは今でも一番好きですね。
ライブで見てもチョーキングからビブラートに移る時に左手の親指をネックから離す彼独特の癖もそういう意味で特徴となっているのかも知れません。
彼の出すトーンも一時はハマリましたが、絶妙なトーンを出す時って意外と限られていて“レイラ”をカバーしてやっていた時期のトーンは個人的には大嫌いです。
そういった意味で初期の（７０年代）彼の出すトーンが一番好きだったんだと思います。
フェンダーアンプからブギーに移行する時期の彼の出すトーンは常に素晴らしかったと思います。
色々な人がカールトンのセッションワークを絶賛していますが、私が思う一番の彼のセッションはドナルド・フェイゲンの“ナイト・フライ”に尽きると思います。
アルバム自体も名盤ですが、カールトンの出す多分EMGのピックアップの付いたギター（ストラトかテレキャス）のかもし出すトーンはフレーズの良さも手伝ってチョット真似の出来ないギターワークだと思います。
カールトンの弾くEMGの音って凄くいいと思います。
アクティブ臭さの無い艶のあるナチュラルなトーンはかなりいいと思います。（歪ませると若干アクティブ臭さが出てしまうのは仕方無いと思います・・・）
近年又アイスティーの３３５を使っているようですが、EMGの頃の音の方がカールトンらしい・・・と感じてしまいます。
去年東京JAZZで見たカールトンも３３５でしたが、あまり良い音はしていませんでした。もしかしたらアイスティーの３３５は限界まで使い込み過ぎてしまったのかもしれません。
３３５で言えば８０年代初めに来日した時にドットマーカーのブラウンサンバーストの３３５がとてつもなく良い音してました。
ブルースっぽいインストで使っていたと思いますが、あまりの音の良さに感動した覚えがあります。
色々なご意見はあると思います。ただ私もかなりカールトンを聴き込んで来たので自分なりのカールトンに対しての感想だと思って下さい。
一番聴いていたのは、１０代後半から２０代前半でした。
カールトンについては、色々な方が色々なアプローチでアップしていますので詳細はそちらで確認して頂けると私のつたない文章より良くわかると思います。
ちなみに私が一番感心しているページはこちらです。
http://members.at.infoseek.co.jp/i_g_y/room335.htm
カールトンはクルセイダースに在籍していた頃からリアルタイムで聴いて来たギタリストで、五輪真弓さんのバックで来日した際の、ピットインでのお忍び・・・と言うかFM東京主催のライブまで見に行った位に数多く見て来ました。
数多く見て来た中で個人的に一番良かったのはやはりブルーノートで真近で見れた時でした。
彼らしくない６０年代のローズネックにサンバーストのストラトで押し通していましたが、カールトンらしさは別格でした。
どんなギターを弾いてもカールトンらしさには変わりが無い事を痛感したライブでした。
最初に見たピットインのライブでは多分日本でレンタルしたと思われるコイルタップ付きのブラウンの３３５で、私の持っていた３３５と同じタイプでしたが・・・出て来るサウンドは天と地程の差がありました。
その時のライブではカールトンの代表曲“Room335”も“サマー・サン”という曲名で紹介されていて後日FMで放送された音源をコピーして他の人よりも早くコピー出来た状態でした。
ライブ音源はレコーディングされた音源と違ってカールトンらしさ満点だったと思います。
ちなみに“Room335”のテーマ部分の雰囲気が中々出せないのはユニゾンで同じテーマを２回弾いてダビングしているんですが、ポジションを変えて弾いていると思われます。
ライブで２弦５fから１弦開放にすぐ移動したがるのが証拠と言えば証拠と言えるでしょう。
イントロ部分も結構な確立でD△→C♯m7を弾いてしまいますが、D△→C♯m7/onAにしないと雰囲気が出せないと思います。
カールトン的にはこの曲に関しては自分の弾き易いコード進行を使って、あとからテーマを作ったと思います。
彼のインタビューでも白状していますが、スティーリー・ダンの“ペグ”やミニー・リパートンの“ラビィン・ユー”のコード進行を一捻りしてイントロに使ったと言っています。
私はカールトンのソロを数々コピーして来ました。
彼は自分のレコーディングでは明らかに作ったフレーズを弾いている事が多いと思います。
代表曲と呼ばれる数多くの曲も明らかに前もって仕込んだフレーズが散乱しています。
私的な考えでは、名曲“Iｔ Was Only Yesturday”に関して言えば１から１０までアドリブはしていません。
事前に考えたフレーズのみで構成されていると思われます。
一番カールトンらしくないフレーズで構成されたソロは本人も多分考えに考え抜いた末のフレーズだったと思います。
ただ後半ラストの５弦１８fからのA♭の分解フレーズ＋チョーキングは未だに私の高音域でのギター選びの際の基準となっています。
このフレーズがキチンと弾けないギターは１００％買う気が起きません。
特にこのフレーズはギターのオクターブピッチがシビアに合っていないと違和感のある音程になってしまいます。
Room335のアルバム発売直後の渋谷公会堂のライブは２日間続けて行きましたが、この曲は演奏してくれませんでした。
他のライブでもこの曲はまともに演奏しない所を見ると、カールトン自身はあまりこの曲は好きでは無いのかと思います。
確かに“黒いオルフェ”の出だしをパクッたとしか言えないテーマはいただけないと思います。
ちなみにご存知の方も多いと思いますが、ベースはカールトン本人が弾いています。
ポーカロのドラムがあまりにも素晴らしいが為にベースが何とも貧弱に聞こえてしまうのは私だけでしょうか・・・。
逆に全く作り込んでいないアドリブを弾いている曲もあります。
同じアルバムに入っている“ナイト・クローラー”だと思います。
多分この曲はカールトンが自由に弾いて何テイクか撮って美味しい所を繋ぎ合わせたんじゃないかと思われます。
繋ぎ合わせに関しては途中でギターのトーンが微妙に変化する所があるので聴き込むとすぐに気が付くと思います。
トーンと言うよりリバーブの変化に気を付けると分かり易いと思います。
カールトンの好きな理由は他にも沢山あって書ききれない位です。
最も好きなのは彼のチョーキングじゃないかな・・・と思います。
やはり色気のあるチョーキングで、ロックギターとは違うチョーキングだと思います。
クルセイダースの“チェイン・リアクション”の頃のチョーキングは今でも一番好きですね。
ライブで見てもチョーキングからビブラートに移る時に左手の親指をネックから離す彼独特の癖もそういう意味で特徴となっているのかも知れません。
彼の出すトーンも一時はハマリましたが、絶妙なトーンを出す時って意外と限られていて“レイラ”をカバーしてやっていた時期のトーンは個人的には大嫌いです。
そういった意味で初期の（７０年代）彼の出すトーンが一番好きだったんだと思います。
フェンダーアンプからブギーに移行する時期の彼の出すトーンは常に素晴らしかったと思います。
色々な人がカールトンのセッションワークを絶賛していますが、私が思う一番の彼のセッションはドナルド・フェイゲンの“ナイト・フライ”に尽きると思います。
アルバム自体も名盤ですが、カールトンの出す多分EMGのピックアップの付いたギター（ストラトかテレキャス）のかもし出すトーンはフレーズの良さも手伝ってチョット真似の出来ないギターワークだと思います。
カールトンの弾くEMGの音って凄くいいと思います。
アクティブ臭さの無い艶のあるナチュラルなトーンはかなりいいと思います。（歪ませると若干アクティブ臭さが出てしまうのは仕方無いと思います・・・）
近年又アイスティーの３３５を使っているようですが、EMGの頃の音の方がカールトンらしい・・・と感じてしまいます。
去年東京JAZZで見たカールトンも３３５でしたが、あまり良い音はしていませんでした。もしかしたらアイスティーの３３５は限界まで使い込み過ぎてしまったのかもしれません。
３３５で言えば８０年代初めに来日した時にドットマーカーのブラウンサンバーストの３３５がとてつもなく良い音してました。
ブルースっぽいインストで使っていたと思いますが、あまりの音の良さに感動した覚えがあります。
色々なご意見はあると思います。ただ私もかなりカールトンを聴き込んで来たので自分なりのカールトンに対しての感想だと思って下さい。
ギタリストと読譜力について。
ギタリストにとって読譜力ってどこまで必要かとても難しい問題だと思います。
クラシックから入らないギタリストは９割方は耳からギターを覚える訳で、基本的に譜面を読む力は弱いと思います。
絶対音感も付き難い時期に始めるのがギターなので、その点でも他の楽器に比べると不利が先行してしまいます。
それではギターで仕事をするにはどの程度の読譜力が必要なのか私の経験から感じる事を書く事にします。
私が音楽を始めた当初は今で言うTAB譜は存在していなくて、あくまでも五線譜だけでした。
音楽の現場でもギタリストに渡されるのは１００％五線譜だけだと思います。
TAB譜だけに慣れてしまうのは現場では危険極まりない事だと思います。
私事ですが、最近のギター雑誌に書かれているTAB譜は全く読めないし、TAB譜自体ポジション的に難が有る場合が多いので読まない事にしています。
現場ではどこまで書き込まれた譜面が出てくるか・・・と言うと、私の経験上では決められたフレーズは何は無くともおたまじゃくしで書かれて来ます。
特にイントロやエンディングは間違いなく音譜で書かれてきますし、間奏も指定されたフレーズはほぼ譜面に起こされています。
それを事前に譜面と音源を貰えれば別ですが、何の前置きも無く俗に言う“初見”で弾かされる時はかなりの読譜力を要求されます。
譜面を受け取って１分経たないうちにカウントを出されて曲がスタートする事もしばしばです。
一発目から音を外す事はほぼ許されないので随分と勉強になったと今は思います。
１分間でざっとメロディーの部分には目を通します。
慣れて来ると見ただけでポジションとフレーズが浮かぶ様になるので、譜面には習うより慣れろ・・・としか言えません。
初見の仕事は１０代の終わりからして来ましたが、２０歳の頃世の中でカラオケブームが起こり始めてあちこちのカラオケメーカーの仕事を随分しました。
オケが既に出来上がっていてガイドの歌メロを部分部分録音して行くんですが、そんな時はスタジオ内に私一人ポツンと山のような譜面の前に座らされてモニタールームから間髪つけずに「はい１番の何小節目から行きます・・・終わったら早送りで２番出します」とか指示が出て、ほぼ初見で１日１０時間近く弾かされた事もありました。
スピードを要求される仕事だったので間違えが許されない状況で随分譜面には強くなったと言うか慣れてしまいました。
ちなみに私も初見の練習をしたのはポップスの曲集でボーカルのメロディーを手当たり次第にギターで弾いたりしました。
ボーカルのメロディーって極端に難しい動きが無いので、譜面に慣れるのには手っ取り早いと思います。
次に練習したのは自分が知っているメロディー（童謡でも何でもいいんですが・・・）を譜面無しでギターで弾く事でした。
口ずさめるメロディーをギターですぐに弾ける様に訓練するのも読譜力のアップには重要だと思います。
音の高い・低いはある程度慣れると着いて行けるんですが、リズムの譜割は色々なパターンを自分なりに研究するしかありません。
私の経験上、５連や７連ってのはあまり出て来ませんが複雑なシンコペーションのパターンは多々出て来ます。
どんなに複雑なシンコペでも殆どの場合過去に例があるパターンが殆どなので、研究すればある程度パターン化して譜面を映像として理解して弾く事が出来ると思います。
初見に関しては私の経験では達人を何人も見て来ました。
人の譜面を覗き込んで逆から読む人や、私の持っていた自分でコピーしたやたら難しいテーマの曲を意図も簡単に初見で吹いたサックスプレーヤーもいました。
ギタリストでもやたらと譜面に強い方がいて、その人曰く「歌えるフレーズは全部弾けて当たり前・・・」みたいな事を言われた事もあります。
考えてみたらベンソンの得意なスキャットとギターのユニゾンなんかもそれに当てはまる事だと思います。
そんなこんなで私ですが、今でも極端に難しいジャズのテーマは別として青本と呼ばれるジャズ曲集程度の譜面なら大体弾けると思います。
譜面が読めればそれが全てでは無いのは私も昔から痛いほど痛感しています。
譜面がある程度読めてしまうが故に、自分のギターにじれんまみたいな物を感じていました。
譜面が読めなくても数限りなく素晴らしいミュージシャンは多数居る事も知っています。
ただ私が思うには譜面って音楽で言う所の言葉みたいなもので、例えば自分でアレンジした譜面を他のミュージシャンが私の意図した処を譜面を通して理解してくれたり、又その逆もある訳です。
１曲を人に伝える場合、譜面があると無いとでは時間的にも全然変ったものになってしまうし意図した事を上手く口で伝えられない時に譜面って大事なのかな・・・と思います。
ギター自体、特にエレキギターは譜面よりフィーリング的な考え方を持つ人が多いと思いますが、海外のセッションギタリストなんかはメチャメチャ譜面に強い上更にその譜面に書かれた以上の素晴らしい演奏をしています。
凄くいい例がこの映像だと思います。
あきらかに彼は初めて見る譜面に自分なりのフィーリングを加えて素晴らしいアプローチをしています。
特筆すべきはボイシングとギターの音ですね。
http://www.youtube.com/watch?v=DdGmIzbh4rw
私の経験上、読譜力はあるに越した事は無いギターのテクニックの一つだと思います。
クラシックから入らないギタリストは９割方は耳からギターを覚える訳で、基本的に譜面を読む力は弱いと思います。
絶対音感も付き難い時期に始めるのがギターなので、その点でも他の楽器に比べると不利が先行してしまいます。
それではギターで仕事をするにはどの程度の読譜力が必要なのか私の経験から感じる事を書く事にします。
私が音楽を始めた当初は今で言うTAB譜は存在していなくて、あくまでも五線譜だけでした。
音楽の現場でもギタリストに渡されるのは１００％五線譜だけだと思います。
TAB譜だけに慣れてしまうのは現場では危険極まりない事だと思います。
私事ですが、最近のギター雑誌に書かれているTAB譜は全く読めないし、TAB譜自体ポジション的に難が有る場合が多いので読まない事にしています。
現場ではどこまで書き込まれた譜面が出てくるか・・・と言うと、私の経験上では決められたフレーズは何は無くともおたまじゃくしで書かれて来ます。
特にイントロやエンディングは間違いなく音譜で書かれてきますし、間奏も指定されたフレーズはほぼ譜面に起こされています。
それを事前に譜面と音源を貰えれば別ですが、何の前置きも無く俗に言う“初見”で弾かされる時はかなりの読譜力を要求されます。
譜面を受け取って１分経たないうちにカウントを出されて曲がスタートする事もしばしばです。
一発目から音を外す事はほぼ許されないので随分と勉強になったと今は思います。
１分間でざっとメロディーの部分には目を通します。
慣れて来ると見ただけでポジションとフレーズが浮かぶ様になるので、譜面には習うより慣れろ・・・としか言えません。
初見の仕事は１０代の終わりからして来ましたが、２０歳の頃世の中でカラオケブームが起こり始めてあちこちのカラオケメーカーの仕事を随分しました。
オケが既に出来上がっていてガイドの歌メロを部分部分録音して行くんですが、そんな時はスタジオ内に私一人ポツンと山のような譜面の前に座らされてモニタールームから間髪つけずに「はい１番の何小節目から行きます・・・終わったら早送りで２番出します」とか指示が出て、ほぼ初見で１日１０時間近く弾かされた事もありました。
スピードを要求される仕事だったので間違えが許されない状況で随分譜面には強くなったと言うか慣れてしまいました。
ちなみに私も初見の練習をしたのはポップスの曲集でボーカルのメロディーを手当たり次第にギターで弾いたりしました。
ボーカルのメロディーって極端に難しい動きが無いので、譜面に慣れるのには手っ取り早いと思います。
次に練習したのは自分が知っているメロディー（童謡でも何でもいいんですが・・・）を譜面無しでギターで弾く事でした。
口ずさめるメロディーをギターですぐに弾ける様に訓練するのも読譜力のアップには重要だと思います。
音の高い・低いはある程度慣れると着いて行けるんですが、リズムの譜割は色々なパターンを自分なりに研究するしかありません。
私の経験上、５連や７連ってのはあまり出て来ませんが複雑なシンコペーションのパターンは多々出て来ます。
どんなに複雑なシンコペでも殆どの場合過去に例があるパターンが殆どなので、研究すればある程度パターン化して譜面を映像として理解して弾く事が出来ると思います。
初見に関しては私の経験では達人を何人も見て来ました。
人の譜面を覗き込んで逆から読む人や、私の持っていた自分でコピーしたやたら難しいテーマの曲を意図も簡単に初見で吹いたサックスプレーヤーもいました。
ギタリストでもやたらと譜面に強い方がいて、その人曰く「歌えるフレーズは全部弾けて当たり前・・・」みたいな事を言われた事もあります。
考えてみたらベンソンの得意なスキャットとギターのユニゾンなんかもそれに当てはまる事だと思います。
そんなこんなで私ですが、今でも極端に難しいジャズのテーマは別として青本と呼ばれるジャズ曲集程度の譜面なら大体弾けると思います。
譜面が読めればそれが全てでは無いのは私も昔から痛いほど痛感しています。
譜面がある程度読めてしまうが故に、自分のギターにじれんまみたいな物を感じていました。
譜面が読めなくても数限りなく素晴らしいミュージシャンは多数居る事も知っています。
ただ私が思うには譜面って音楽で言う所の言葉みたいなもので、例えば自分でアレンジした譜面を他のミュージシャンが私の意図した処を譜面を通して理解してくれたり、又その逆もある訳です。
１曲を人に伝える場合、譜面があると無いとでは時間的にも全然変ったものになってしまうし意図した事を上手く口で伝えられない時に譜面って大事なのかな・・・と思います。
ギター自体、特にエレキギターは譜面よりフィーリング的な考え方を持つ人が多いと思いますが、海外のセッションギタリストなんかはメチャメチャ譜面に強い上更にその譜面に書かれた以上の素晴らしい演奏をしています。
凄くいい例がこの映像だと思います。
あきらかに彼は初めて見る譜面に自分なりのフィーリングを加えて素晴らしいアプローチをしています。
特筆すべきはボイシングとギターの音ですね。
http://www.youtube.com/watch?v=DdGmIzbh4rw
私の経験上、読譜力はあるに越した事は無いギターのテクニックの一つだと思います。
ギターのトレーニングについて。
私が１０代の頃から癖のようにやっているトレーニング方法を書く事にします。
まず、指のストレッチに最適なコードを何種類か弾いて指慣らしをします。
良く弾くコードが６弦開放に５弦２fを中指、４弦４fを薬指、３弦１fを人差し指、２弦４fを小指に１弦の開放・・・なんてコードはストレッチに最適なので、未だに練習前に弾いています。
全部の弦を奇麗に鳴らすのはちょっと大変ですが、慣れてしまえばいい感じだと思います。
若い時のルカサーなんかも雑誌のインタビューで、練習前にはストレッチを兼ねてオープンコードから入るって言っていました。
若い頃に良く弾いていたのは６弦の開放からスタートしてクロマチックに１弦の最高音まで弾ききって、最高音から逆に下がって来るのは随分と練習しました。
１６分音譜で弾いたり３連にしてみたり、かなり練習しました。
メカニカルなトレーニングと言えばそれまでですが、弦移動する音を変えたりすると中々練習になりました。
次に良く練習したのはコード分解のフレーズを３オクターブに渡って弾く事でした。
ある雑誌でベンソンがそんな練習をしていると知って自分でも試してみました。
例えばC△7の分解で５弦からスタートしてB、C、E、Gと弾いてそれをオクターブ上と更にそのオクターブ上で登って行くフレーズです。
帰りは逆に降りてくる訳です。
他にも５弦からスタートしてD、F、A、Cなんかも同じ様に弾く訳です。
要するにC、Dm7、Em7、F〜とコードを上昇させたコード分解を延々と弾いて行く訳です。
コード分解を練習すると指盤上の音を頭で理解しながら出来るので、コードチェンジに対応するのに凄く有効でした。
あまり練習しなかったのは単純なスケール練習で、ポジションを覚えるにはいいのでしょうが個人的にはあまりしませんでした。
ディミニッシュスケールも一応練習はしましたが、どちらかと言えばスケールよりコード分解を弾いた方が実戦向きだったと思います。
ディミニッシュよりはオルタードをスケール的に覚えた方が実戦でのフレージングには有効だったと思います。
その系統のテクニカルな練習は今でもやっています。
この年齢なのでテクニック的な向上は期待してはいませんが、テクニック的な衰えをカバーするにはこういった練習が若い時よりも必要だと思います。
メカニカルな練習は決して楽しいものではありませんが、慣れてしまうとやらない事の不安の方が大きくなってしまいます。
テクニカルな曲の練習もそういった意味では重要な事だと思います。
世間的に言う“難曲”と呼ばれる曲なんかも好き嫌いに関わらず練習する事もとても大事な事だと思います。
スケール練習やコード分解を練習する時にも常にイン・テンポを意識して弾く事も大事だと思います。
ギターを弾く時にいきなりチョーキング・フレーズから入るよりも、習慣として１０分でもそういう練習から入るように今でも心がけています。
３日間ギターに触らないと指が軽くなった感じが昔からします。
それって実は練習不足って事だと昔から思っていて、あまり軽く指が動く時ってチョット焦るようになっています。
ピッキングに至ってはもっと深刻で、３日間触らないとピッキングのタッチを取り戻すのに３日位かかります。
現役当時は毎日ギターを弾いていたのであまり感じませんでしたが、今は３日のブランクが物凄く大きいと思います。
日々練習しないとギターって思った様に弾けないんだと痛感しています。
まず、指のストレッチに最適なコードを何種類か弾いて指慣らしをします。
良く弾くコードが６弦開放に５弦２fを中指、４弦４fを薬指、３弦１fを人差し指、２弦４fを小指に１弦の開放・・・なんてコードはストレッチに最適なので、未だに練習前に弾いています。
全部の弦を奇麗に鳴らすのはちょっと大変ですが、慣れてしまえばいい感じだと思います。
若い時のルカサーなんかも雑誌のインタビューで、練習前にはストレッチを兼ねてオープンコードから入るって言っていました。
若い頃に良く弾いていたのは６弦の開放からスタートしてクロマチックに１弦の最高音まで弾ききって、最高音から逆に下がって来るのは随分と練習しました。
１６分音譜で弾いたり３連にしてみたり、かなり練習しました。
メカニカルなトレーニングと言えばそれまでですが、弦移動する音を変えたりすると中々練習になりました。
次に良く練習したのはコード分解のフレーズを３オクターブに渡って弾く事でした。
ある雑誌でベンソンがそんな練習をしていると知って自分でも試してみました。
例えばC△7の分解で５弦からスタートしてB、C、E、Gと弾いてそれをオクターブ上と更にそのオクターブ上で登って行くフレーズです。
帰りは逆に降りてくる訳です。
他にも５弦からスタートしてD、F、A、Cなんかも同じ様に弾く訳です。
要するにC、Dm7、Em7、F〜とコードを上昇させたコード分解を延々と弾いて行く訳です。
コード分解を練習すると指盤上の音を頭で理解しながら出来るので、コードチェンジに対応するのに凄く有効でした。
あまり練習しなかったのは単純なスケール練習で、ポジションを覚えるにはいいのでしょうが個人的にはあまりしませんでした。
ディミニッシュスケールも一応練習はしましたが、どちらかと言えばスケールよりコード分解を弾いた方が実戦向きだったと思います。
ディミニッシュよりはオルタードをスケール的に覚えた方が実戦でのフレージングには有効だったと思います。
その系統のテクニカルな練習は今でもやっています。
この年齢なのでテクニック的な向上は期待してはいませんが、テクニック的な衰えをカバーするにはこういった練習が若い時よりも必要だと思います。
メカニカルな練習は決して楽しいものではありませんが、慣れてしまうとやらない事の不安の方が大きくなってしまいます。
テクニカルな曲の練習もそういった意味では重要な事だと思います。
世間的に言う“難曲”と呼ばれる曲なんかも好き嫌いに関わらず練習する事もとても大事な事だと思います。
スケール練習やコード分解を練習する時にも常にイン・テンポを意識して弾く事も大事だと思います。
ギターを弾く時にいきなりチョーキング・フレーズから入るよりも、習慣として１０分でもそういう練習から入るように今でも心がけています。
３日間ギターに触らないと指が軽くなった感じが昔からします。
それって実は練習不足って事だと昔から思っていて、あまり軽く指が動く時ってチョット焦るようになっています。
ピッキングに至ってはもっと深刻で、３日間触らないとピッキングのタッチを取り戻すのに３日位かかります。
現役当時は毎日ギターを弾いていたのであまり感じませんでしたが、今は３日のブランクが物凄く大きいと思います。
日々練習しないとギターって思った様に弾けないんだと痛感しています。
ジャズと私の関わり。
随分長い間ブログを放置してしまいました。（反省）
新たな気持ちでブログを書くに当たって、私のジャズとの最初の関わりについて書く事にします。
中学生の頃はロックギター一本槍で押し通した私が、高校生になってクロスオーバー＆フュージョンギターに転身して一番戸惑ったのが今まで使っていたペンタトニックでは対応出来ない数々のフレーズでした。
自分なりに何をどうしたらいいか分からない状況でしたが、１７歳の時にあるジャズサックスのプレーヤーと知り合いになりました。
当時その方は私とは一回り以上の年齢差がありました。正確には何歳の方だったかは覚えていません。
その方はとても親切に私にジャズを聴くなら間違いなくお薦めは“チャーリー・パーカー”だと教えてくれました。
そのサックスプレーヤーは更に親切な事に、カセットテープを私にくれました。
本数で言えば１０本近くあったと思います。
さて、そのカセットの内容ですが既に番組としては終了してしまった文化放送のジャズ番組の“チャーリー・パーカー”の特集番組でした。
その番組の司会者は、ナント大橋巨泉さんで物凄く分かり易く１曲１曲について解説されていました。
曲のエピソードは勿論、パーカーの確立したビバップのスタイルについても時間を惜しまず解説されていてジャズ初心者の私としてはとても為になりました。
そのカセットと一緒に私は譜面も頂きました。
今でも貰った譜面の曲は覚えています。
“ドナ・リー” “スクラップル・フロム・ジ・アップル” “パーカーズ・ムード” “ラバー・マン”の４曲のテーマとコード進行の譜面でした。
頂いたカセットの中には全ての曲が入っていてとても勉強になりました。
サックスの特にパーカーのフレーズをギターで再現するのは当時の私にはとても難しい事で、特にドナ・りーには手こずった覚えがあります。
大橋巨泉さんの解説は今でもハッキリ覚えている位で、パーカーの名演についてとても分かり易く説明されていてカセットは何度聴いたか分からない位聴きました。
特に印象的だったのが、ラバー・マンのレコーディング当時のエピソードは印象に残っています。
譜面で頂いた４曲は私のジャズに対する原点とも言える位の曲です。
スクラップル〜のサビの４度進行は今思えば当たり前の進行なんですが、当時の私には強敵だった進行でしたし、あまり他のミュージシャンが演奏しないパーカーズ・ムードは比較的とっつき易くて、しかもジャズのフィーリングを掴むのには持って来いの曲でした。
パーカーズ・ムードですが、スタンダードとしては成立しない曲ですので他のプレーヤーがあまり演奏しないのも仕方ないと思います。
イントロのカデンツァ以外は全てパーカーのアドリブに突入してしまうので、テーマらしいテーマは無い不思議な曲ですが１コーラス目はとてもジャズフィーリングに溢れた素晴らしい演奏です。
パーカーの作るテーマはスタンダードとしては異色の感があります。
テーマ自体が彼の真骨頂とも言えるフレーズが連発しています。特にコード進行の細分化を究極まで突き詰めてそこにメロディーを乗せたテーマはそれ自体がジャズと呼べると思います。
そのサックスの方には感謝しても仕切れない位の思いです。
１０代でビバップの基礎を作り上げたパーカーに出会えた私はラッキーだとしか言えません。
そのサックスの方と知り合っていなければジャズとの関わりも随分と違っていたと思います。
パーカーから始まってその繋がりでマイルスを聴き始めた訳ですし、日本を代表するサックスプレーヤーの渡辺貞夫さんの名演も聴くに至りました。
余談ですが、パーカースタイルのアルトプレーヤーが数限りなくいると思いますが私の中でパーカーを間違いなく引き継いでいるプレーヤーは“リッチー・コール”だと思います。
マンハッタン・トランスファーがカバーしたパーカーの“コンファメーション”でのプレイはパーカーがもし生きていたらこんな演奏をするんだろうな・・・と思う位の素晴らしい演奏です。
リッチー・コールは８０年代に来日した時に見ましたが、あまりいいパフォーマンスではなかったのが残念で仕方ありません。
ジャズを習う事は随分後になりますが、大橋巨泉さんのカセットで私は随分ジャズに近づいていたのかも知れません。
今でもパーカーの曲は聴くのも演奏するのも凄く好きです。
新たな気持ちでブログを書くに当たって、私のジャズとの最初の関わりについて書く事にします。
中学生の頃はロックギター一本槍で押し通した私が、高校生になってクロスオーバー＆フュージョンギターに転身して一番戸惑ったのが今まで使っていたペンタトニックでは対応出来ない数々のフレーズでした。
自分なりに何をどうしたらいいか分からない状況でしたが、１７歳の時にあるジャズサックスのプレーヤーと知り合いになりました。
当時その方は私とは一回り以上の年齢差がありました。正確には何歳の方だったかは覚えていません。
その方はとても親切に私にジャズを聴くなら間違いなくお薦めは“チャーリー・パーカー”だと教えてくれました。
そのサックスプレーヤーは更に親切な事に、カセットテープを私にくれました。
本数で言えば１０本近くあったと思います。
さて、そのカセットの内容ですが既に番組としては終了してしまった文化放送のジャズ番組の“チャーリー・パーカー”の特集番組でした。
その番組の司会者は、ナント大橋巨泉さんで物凄く分かり易く１曲１曲について解説されていました。
曲のエピソードは勿論、パーカーの確立したビバップのスタイルについても時間を惜しまず解説されていてジャズ初心者の私としてはとても為になりました。
そのカセットと一緒に私は譜面も頂きました。
今でも貰った譜面の曲は覚えています。
“ドナ・リー” “スクラップル・フロム・ジ・アップル” “パーカーズ・ムード” “ラバー・マン”の４曲のテーマとコード進行の譜面でした。
頂いたカセットの中には全ての曲が入っていてとても勉強になりました。
サックスの特にパーカーのフレーズをギターで再現するのは当時の私にはとても難しい事で、特にドナ・りーには手こずった覚えがあります。
大橋巨泉さんの解説は今でもハッキリ覚えている位で、パーカーの名演についてとても分かり易く説明されていてカセットは何度聴いたか分からない位聴きました。
特に印象的だったのが、ラバー・マンのレコーディング当時のエピソードは印象に残っています。
譜面で頂いた４曲は私のジャズに対する原点とも言える位の曲です。
スクラップル〜のサビの４度進行は今思えば当たり前の進行なんですが、当時の私には強敵だった進行でしたし、あまり他のミュージシャンが演奏しないパーカーズ・ムードは比較的とっつき易くて、しかもジャズのフィーリングを掴むのには持って来いの曲でした。
パーカーズ・ムードですが、スタンダードとしては成立しない曲ですので他のプレーヤーがあまり演奏しないのも仕方ないと思います。
イントロのカデンツァ以外は全てパーカーのアドリブに突入してしまうので、テーマらしいテーマは無い不思議な曲ですが１コーラス目はとてもジャズフィーリングに溢れた素晴らしい演奏です。
パーカーの作るテーマはスタンダードとしては異色の感があります。
テーマ自体が彼の真骨頂とも言えるフレーズが連発しています。特にコード進行の細分化を究極まで突き詰めてそこにメロディーを乗せたテーマはそれ自体がジャズと呼べると思います。
そのサックスの方には感謝しても仕切れない位の思いです。
１０代でビバップの基礎を作り上げたパーカーに出会えた私はラッキーだとしか言えません。
そのサックスの方と知り合っていなければジャズとの関わりも随分と違っていたと思います。
パーカーから始まってその繋がりでマイルスを聴き始めた訳ですし、日本を代表するサックスプレーヤーの渡辺貞夫さんの名演も聴くに至りました。
余談ですが、パーカースタイルのアルトプレーヤーが数限りなくいると思いますが私の中でパーカーを間違いなく引き継いでいるプレーヤーは“リッチー・コール”だと思います。
マンハッタン・トランスファーがカバーしたパーカーの“コンファメーション”でのプレイはパーカーがもし生きていたらこんな演奏をするんだろうな・・・と思う位の素晴らしい演奏です。
リッチー・コールは８０年代に来日した時に見ましたが、あまりいいパフォーマンスではなかったのが残念で仕方ありません。
ジャズを習う事は随分後になりますが、大橋巨泉さんのカセットで私は随分ジャズに近づいていたのかも知れません。
今でもパーカーの曲は聴くのも演奏するのも凄く好きです。
